Elegant-abstrahierte Formen, die Freude am phantasievoll-schmückenden Dekor und an leuchtenden Farben sowie edle und kostbare Materialien mit einer mondänen, sinnlichen Wirkung – das sind Merkmale, die dem Art déco zueigen sind. Es widerspiegelt ein nach dem Ersten Weltkrieg neu erwachtes Luxus-Bedürfnis, dem erst der Zweite Weltkrieg weitgehend ein Ende bereitete. Die erst ab 1966 gebräuchliche Bezeichnung „Art déco“ – was nichts anderes als schmückende, dekorative Kunst bedeutet – leitet sich vom Titel der 1925 in Paris veranstalteten Ausstellung „Internationale des Arts Décoratifs“ ab. Diese „kleine Weltausstellung“ verschaffte der neuen Gestaltung außerordentliche Aufmerksamkeit und markierte ihren Durchbruch.

Einen Eindruck von Anspruch und Erscheinungsbild der Grassimessen der 1930er Jahre bietet eine Adaption des historischen Messestands der Vereinigten Lausitzer Glaswerke Weißwasser (VLG) in Gestalt eines gläsernen Kubus. Beinahe an selber Stelle wurde dieser Stand der VLG über mehrere Jahre genutzt und daher aufwändig konzipiert. Die innovativen Glasserien des damaligen Chefdesigners der VLG, Wilhelm Wagenfeld, sollten wirkungsvoll und neuartig präsentiert werden. Daher wurde Lilli Reich, eine äußerst erfolgreiche Innenraumgestalterin, mit dem Entwurf für das Standmobiliar beauftragt. Noch heute beeindruckt die Modernität der eleganten, etageren-artigen Präsentationsflächen und die puristischen Tischkonstruktionen, die eine ästhetische Einheit mit den Exponaten bilden. Diese wiederum sind Zeugnis einer Neuausrichtung, für die Wilhelm Wagenfeld verantwortlich war. Er gab dem Gebrauchsglas der VLG eine innovative Richtung mit strengen Formen und ohne Dekor.

Die vom Funktionalismus bestimmte Moderne als dritter Themenschwerpunkt wird insbesondere durch das Bauhaus und sein Umfeld vertreten. Das Museum pflegte mit dem Bauhaus ebenso wie mit der Burg Giebichenstein bereits frühzeitig intensive Kontakte, die sich selbstverständlich auch in den Sammlungsbeständen niederschlugen.
Bereits ab 1924 nahm das Bauhaus mit seinen neuen Produkten an den Leipziger Grassimessen teil und schon ein Jahr darauf erwarb man eine Weinkanne von Christian Dell. Die aus Silber getriebene Kanne entstand, als die Metallwerkstatt des Bauhauses noch von Johannes Itten geleitet wurde. Die etwas später entstandenen Exponate der Metallklasse verraten hingegen den Einfluss ihres neuen Leiters Laszlo Moholy-Nagy, der die Metallklasse als Modelllabor für die Industrie verstand. Von Marianne Brandt stammt die schlichte Konfektdose, die auf der Ausstellung „Europäisches Kunstgewerbe 1927“ in einer Vitrine der Pfeilerhalle im Kontext weiterer Bauhaus­-Metallarbeiten präsentiert wurde. Ihre Entwürfe wurden auch von der Leipziger Leuchtenfabrik  Körting & Mathiesen (Kandem) realisiert.

Weitere Beispiele für die Zusammenarbeit mit der Industrie und dem Bauhaus und ihren Schülern und Schülerinnen finden sich u. a. in den Erzeugnissen der Berliner Porzellanmanufaktur, in den Glaswerken Schott & Gen. Jena und der VLG Weißwasser.

Heute kann das Museum auf eine umfangreiche Sammlung von ostdeutschem Design blicken. Sie ist jedoch zum größten Teil erst nach der Wiedervereinigung entstanden – in den Jahren der deutschen Teilung wurde im Museum vornehmlich Kunsthandwerk gesammelt und aktiv durch zahlreiche Ausstellungen befördert.

Sowohl im ost-westdeutschen Verhältnis, wie auch im internationalen Vergleich haben sich in den ersten Nachkriegsjahren parallele Entwicklungen abgezeichnet, die in erster Linie mit dem Wiederaufbau und den damit verbundenen sozialen Fragestellungen in Zusammenhang stehen. Wie sollte die Zukunft des Wohnens aussehen? Wie die neuen Produktionsprozesse, die dem steigenden Bedarf nachkommen mussten? Die „gute Form“ war in Ost wie West die Antwort, sie resultierte aus den jeweiligen Anforderungen an die industrielle Gestaltung und beinhaltete gleichzeitig einen moralischen Anspruch. Wenngleich in der DDR die Diskussion um den Formalismus den Prozess verzögerte, setzten sich in den neuen Industriegesellschaften die Maximen der sachlich funktionellen, materialgerechten, schnörkel- und zierlos gestalteten Formenwelt durch. Ein weiterer Themenbereich ist dem System-Design gewidmet, auch hier finden sich Designlösungen die in Ost wie West mehr Parallelen als Unterschiede aufzeigen.

Seit Mitte des 20. Jahrhunderts beschritten die künstlerische Keramik wie auch das künstlerische Glashandwerk neue Wege. Weg vom primär funktionsorientierten hin zum betont künstlerischen Gefäß mit hohem ästhetischem Eigenwert, zur Skulptur oder gar zur Installation. Plastische Qualität und sinnliche Anmutung wurden als Emanzipation vom reinen Nutzwert verstanden. Um frei von den Zwängen der Glas- und Keramik-Manufakturen arbeiten zu können, begannen immer mehr Künstlerinnen und Künstler, sich in ihren Werkstätten eigene Brenn-und Schmelzöfen zu bauen. Die Vorstellung dieser jungen Generation von Kunsthandwerkern war es, nur in der experimentellen Auseinandersetzung mit dem Material neue Ideen zu entwickeln. Erst die konkrete Handhabung von Glas und Ton sollte den kreativen Prozess in Gang setzen. Das Museum besitzt im Bereich der internationalen Studiokeramik eine inzwischen weltweit einzigartig breite Sammlung. In der Ständigen Ausstellung kann sie nur in Ansätzen eine Vorstellung davon geben.

Das Museum wagt am Ende der Ständigen Ausstellung ein Experiment. An Stelle der klassischen Präsentation von Objekten steht eine interaktive Rauminstallation. Das Projekt lädt die Besuchenden ein, sich in einem computergenerierten Raum zu bewegen.

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